Cementerio. Temporada 1

-Ten cuidado cuando luches contra monstruos. Al final del día puedes ser uno.

No todo el cine indio son musicales ni todo el cine turco telenovelas. He aquí un policiaco turco razonablemente bueno.

La serie es un cruce de otras muchas. No se puede decir que sea muy original en ese sentido. Recuerda, sobre todo, a Dept. Q. Önem es una inspectora de policía a la que mandan al sótano (el Cementerio) con un equipo de gente compuesto de retales. Allí se ocupa específicamente de la resolución de asesinatos de mujeres.

Önem tiene bajo su mando a un inspector a punto de jubilarse y otro al que nadie quiere (es el hijo del subjefe de policía). Después están un policía CSI y una hacker consultora. En el perímetro, también habituales, están el subjefe, la forense y el fiscal, único individuo que no me gusta.

El resto de personajes está bastante bien escrito y por eso merece la pena la serie. Los tres principales están muy bien construidos, bastante bien los secundarios. Son personajes con personalidades muy distintas, con carácter fuerte y eso les hace chocar. También tiene sentido que el CSI y la hacker se lleven un poco mejor. También está la habitual adolescente tonta.

Las autopsias. Yo diría que se acercan a lo macabro. Son muy minuciosas, sobre cadáveres que han pasado lo suyo. Hay que tener un poquito de estómago. No es frívolo su tratamiento, pura profesionalidad, pero no ahorran ni un detalle. Puede resultar bastante crudo para algunas sensibilidades.

La imagen que se ofrece de Estambul es muy moderna. Pocas veces tratan de resaltar lo autóctono. Podría ambientarse fácilmente en cualquier lugar de Europa o incluso Estados Unidos.

Son cuatro capítulos pero duran entre 100 y 110 minutos. He visto que en las siguientes temporadas reducen a 45-60 minutos.

Casos convencionales, bien resueltos y con los conflictos personales de los protagonistas como principal núcleo de enganche.

Creo que me apuntaré a la segunda temporada. Me parece que acaban de estrenar la tercera.

La constelación del perro

Hig es un tipo joven. Vive en las montañas con el cincuentón Bangley. A veces Hig coge la avioneta y vuela hasta la apocalíptica, devastada, casi desértica ciudad para coger Sprite u otro capricho. Ha decidido dejar a Bangley y partir en busca de algo más, de un rastro de civilización, de esperanza.

En otras ocasiones he comentado que Ridley Scott es mucho mejor cuando dirige ciencia-ficción que cuando dirige pelis de Historia o cualquier otra cosa. Cuando toca la Historia es un energúmeno. La gente ve esta peli y dice: ¿por qué no ha rodado una peli del Oeste? Porque es realmente una peli del Oeste. Y yo pienso: déjale tranquilo. Si hubiera rodado una del Oeste habría querido meter una avioneta, un naufragio en el desierto o un tiburón de las arenas.

La peli, por otra parte, sigue esa estela del cine apocalíptico nómada: gente errante que encuentra amigos, enemigos y deciden en quién pueden confiar o no. Algo así como The Road venida a menos. O incluso El libro de Eli también venida a menos.

La peli discurre plácida, tranquila, centrada en unos personajes que tampoco tienen mucho que contar salvo un trauma que repiten varias veces. En cierto momento Scott se da cuenta de que esto es cine de Hollywood y mete unas cuantas explosiones, tiros y escenas lisérgicas para cerrar con un epílogo pausado que se me hizo demasiado largo.

Lo siento si no cuento algo del fondo, del mensaje, de rascar bajo la metáfora de la ciencia-ficción. Pero es que creo que no hay nada más que lo que se ve, lo obvio.

Se deja ver, a veces aburre, los encuentros te despiertan un poco por el reparto y por ver qué pasa con esa nueva situación, pero es bastante elemental.

Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce y Allison Janney. Tú y yo sabemos que debieron estar mejor aprovechados.

El ser querido

Esteban, célebre director de cine lleva 13 años sin ver a su hija, Emilia. Esteban propone a Emilia que sea la actriz principal de su próxima película.

Sorogoyen. Hay que reconocerle que tiene las ideas claras y sabe exactamente lo que quiere. Arrancar la película con una conversación de primerísimos planos, de plano y contraplano, durante 20 minutos es bien arriesgado. A mí, personalmente, no me gusta, pero reconozco lo bien que lo lleva, cómo se pisan las réplicas, la naturalidad -y tensión- con que fluye.

Pensé que sería inevitable compararla con Valor sentimental. En cierto modo es así por el tema. Pero ahí termina todo. Los planteamientos son muy distintos.

La película de Sorogoyen es muy cinéfila en el sentido de que se empeña muchísimo en mostrar cómo se filma una película. Ahí realiza una película dentro de la película. Pero está ese documental sobre la primera película que hizo. Y vuelve a ser otra película dentro de la película. Pienso que la cinefilia de Sorogoyen se come el tema central.

Lo mejor es esa ambigüedad permanente, ese no decirse cosas por mucho que se digan a veces: dejar que el espectador interprete. Y también me gustaron muchos pequeños detalles. Ese parecer que Emilia no conocía el restaurante cuando sí lo conocía, la búsqueda en Google en la que ella no aparece como hija, la chica que comenta que Emilia no disfruta cuando actúa, el encuentro con la otra familia, cómo la película El ser querido pasa a ser la película Desierto en el mismo plano cambiando la iluminación…

Pero hay cosas que no pillo. No entiendo todos esos saltos al blanco y negro, tan innecesarios. La entrevista con el periodista no me la creo para nada. Ese distanciamiento inicial es comprensible pero se prolonga demasiado (en tiempo fílmico) sin llegar a nada. Secuencias que, en retrospectiva, parecen superfluas…

El conjunto me pareció bastante desequilibrado. Pongo un ejemplo: el rodaje de la escena de la comida. Comienza siendo algo imponente y se alarga tanto que termina por agotar. Me interesó su violencia latente y me aburrió porque parecía que nunca iba a terminar. Lo realista pasa a ser artificio.

Pienso que es una película para que Javier Bardem vuelva a lucir sus impresionantes dotes interpretativas, para reflejar el ego descomunal de Esteban, pero la cuestión paternofilial apenas lo rozan, muy lejos de llegar al meollo.

Mi escena preferida: cuando comenta que es malo beber y su consecuencia.

De la hipocresía con el pueblo saharaui mejor ni hablar.

Al margen (704)

1. Parece que Robocop tendrá serie y su protagonista será Dan Stevens. Yo no le veo mucho futuro salvo como procedimental sencillo. Igual me sorprenden.

2. Que a TVE le funcionen mejor Curro Jiménez y Verano azul que sus productos actuales debería hacerlos pensar. Pero me temo que ésa es una palabra prohibida en la cadena pública.

3. Woody Allen comenzará a rodar Wasp 2026 en Madrid a partir de octubre.

4. Seguimos sin saber quién será el nuevo James Bond, pero Saoirse Ronan se ofrece para ser la villana. Ojalá las futuras ideas fuesen tan buenas como ésta, pero lo dudo.

5. James Gunn llegó como el superhéroe que salvaría DC. Tras el caos de la no-fusión de Warner y Paramount, tras el desastre económico de Supergirl y tras las confusas narrativas tonales de los productos, parece que Gunn tendrá que buscar otro trabajo después de su segundo Superman.

6. Y Zack Snyder se alborota y ya propone ser él quien regrese a dirigir. Entre tanto caos igual le dejan. Sumarán caos al caos y volverán a poner cara de sorprendidos.

Jofroi

Marcel Pagnol fue uno de los pioneros en el cine sonoro francés. Creo que no llegó a realizar nunca cine mudo. Se subió al carro del sonoro en cuanto apareció.

Otro de sus intereses era el mundo rural. Pienso que cualquiera que haya vivido una temporada en un pueblo enseguida rememorará esas grandes “tragedias” de pueblo.

Jofroi vende su huerto a Fonse. Pero cuando Fonse se dispone a cortar los árboles, Jofroi se lo impide.

Está todo el paisanaje: los campesinos, el cura, el maestro… Argumentaciones filosóficas acerca de la vida de los árboles, del suicidio, la culpa, falacias en las proposiciones, sofismas… A nivel cuñao, claro.

Es por supuesto una comedia pero sin pretender burlarse de ello. Es una farsa alrededor de la cabezonería y terquedad de los lugareños, de convertir en un drama desmedido un pequeño detalle cotidiano. Hay una comprensión real, profunda, de los personajes, de su humanidad y contradicciones, de su bondad y pequeñas miserias.

Mediometraje entrañable con una bonita fotografía en blanco y negro. No sé en qué grado la han restaurado pero se ve y se oye de maravilla.

El almirante: Mar de fuego

-El miedo no discrimina.

En Corea del Sur van muchísimo al cine. Cuentan la taquilla por número de espectadores, no por dinero, y eso no está sujeto a la inflación. Son 51 millones de habitantes (no mucho más que España) y no es raro que alguna película la vean más de 10 millones de espectadores.

El récord, con más de 17 millones (1 de cada tres habitantes), lo tiene esta película. Una hazaña semejante a la de Blas de Lezo. Pero aquí nunca haremos una película sobre Blas de Lezo porque una inmensa masa ignorante pensaría que es fascista o racista o imperialista o algo así un hecho del siglo XVIII. Que, también te digo, para que me destrocen la historia o las secuencias de acción, mejor que no hagan nada.

Blas de Lezo: 6 navíos contra 200 barcos británicos en Cartagena de Indias en 1741.

Yi Sun-sin: 12 navíos contra 300 barcos japoneses en Myongnyang en 1597.

Una absoluta locura estratégica. Es una maravilla contemplar el sistema de remos, el anclaje de los barcos girando sobre su eje a babor y estribor, la zona de corrientes y remolinos que empujaba al enemigo hacia el centro, cañones, rifles, flechas…

Una maravilla épica. La superioridad numérica atrapada en una ratonera donde la muerte llegaba de formas inesperadas. Un almirante de marina que conoce al dedillo los mares de su patria y los aprovecha en cada bahía, cada estrecho, cada corriente, cada marea. Y rodado con claridad para que el espectador entienda las posiciones navales.

Exagerando la realidad, claro que sí, en modo espectacular. Tiene ese tono heroico y legendario que occidente parece haber olvidado y que Corea abraza con gusto. Un relato apabullante en sus escenarios bélicos, sus discursos esculpidos y sus gestos grandilocuentes.

Cine comercial bien hecho, a lo grande.

Rose of Nevada

La fotografía es excepcional. Formato de 4:3 (cámara de 16 mm), textura con muchísimo grano, fotogramas quemados, fuertes contrastes de color… Muchísimos primerísimos primeros planos. Encuadres de enorme detallismo. Parece un documental sobre las labores de un barco pesquero en los años 60 del cinema verité, pero en realidad estamos en una peli de ciencia-ficción. Aunque tardas en darte cuenta. O igual lo del viaje en el tiempo es sólo un anzuelo para que te veas el documental.

Rose of Nevada fue un barco pesquero que desapareció hace 30 años. Ahora, de repente, aparece de nuevo. Amarrado y todo. Algunos se ofrecen para ser tripulantes, volver a pescar y sacar un dinero en un pueblo que se va a la ruina. Algunos están interesados en que eso ocurra.

No vas a encontrar explicaciones acerca del viaje en el tiempo. Una inscripción en la madera te advierte: Bájate del bardo ahora. Yo te recomiendo que sigas porque aunque lo racional queda anulado se trata de una película muy sensorial y emocional. Está más interesada en libertad, destino, aceptación, aprovechar el momento… La película pudo ponernos en la piel de dos personajes. Nos pone en la del que más va a doler, el que pierde todo, no en el lugar del que gana bastante.

Un tercer personaje sería el capitán. Pero el capitán es como un observador, alguien que sabe las reglas del juego pero no las va a contar. Se ocupa de que todo siga adelante y no interviene salvo necesidad.

Onírica, inquietante, sin respuestas. Una historia de buque fantasma más bien para cinéfilos. Visualmente muy atractiva.

Mark Jenkin dirige, fotografía, escribe, monta, edita el sonido… Un autor de los de antes.

El extranjero

Meursault vive en Argel, hacia 1938.

La película arranca en el momento en que le comunican el fallecimiento de su madre. Meursault recibe la noticia como quien se mira las uñas. A Meursault le da todo igual.

Un poco de opinión filosófica. Esto va de hombres libres. Libres de moral. Nietzsche tenía al suyo y le llamó superhombre. El de Camus era el polo opuesto, el indiferente, el pasota absoluto. Me parece más coherente el de Camus: tanto esfuerzo por liberarte de la moral para luego querer imponer tú la tuya. No. Mejor la náusea de Camus.

Mejor aún el Ripley de Patricia Highsmith. Es verdaderamente amoral, es divertido, no es pedante e igualmente perturbador. Sólo es literatura pero es el más coherente de los tres si nos ceñimos a lo que haría un amoral en toda su plenitud. Y de verdad de la buena no siente culpa alguna. Porque es literario.

Se me ocurría esto por la fotografía en blanco y negro. No persigue un esteticismo tan abrumador como el Ripley pero sigue siendo una gran labor de fotografía. Y, desde luego, los personajes tienen bastante en común.

La cuestión, pienso, es: ¿por qué mata al árabe? Mi interpretación: lo mata porque le provocó un sentimiento, lo sacó de la indiferencia. ¿Qué sentimiento? Da igual. Estaba imperturbable y le han alterado. Similar reacción violenta a la que tiene ante el sacerdote. Proclama el absurdo de la vida, el sinsentido, el que nada importa, pero eso le provoca salir de la placidez de la inanidad.

El absurdo risible de la película de Fernandel que veía con Marie se hace realidad.

Hace poco comenté otra peli de Ozon: Cuando cae el otoño. Me gustó más que la presente. Tenía un nivel de ambigüedad mucho más inquietante. Ésta, con su juicio, exposiciones de abogado y fiscales, es menos sutil. En el fondo más moral.

Pero como casi siempre, Ozon logra tocar alguna tecla dentro de ti.

Muertos S.L. Temporada 4

-No es cerveza. Es una bebida isotónica a base de cebada. Una nueva que han sacao.

El primer capítulo, el de las decisiones salomónicas, yo es que me moría de risa. La mitad lo enterramos y la otra mitad lo quemamos.

Digo lo de las temporadas anteriores. La cosa transcurre a su aire, en unos momentos sueltas sonrisas, en otros momentos las suelta otro porque cada uno tiene sus cadaunadas y a cada cual le hacen gracia cosas distintas. En otros momentos sueltas carcajadas decididas porque el absurdo llega a niveles estratosféricos. Me encantó la trama de Quesito, el lorazepam y todo el envoltorio. Claro que lo de la de pierna por separado es también otro nivel.

-No te lo vas a creer. La adivina era una farsante.

-Ah. Fíjate.

En fin. Que sigo estando a favor de que haya unas cuantas series así de básicas y estúpidas. Tampoco demasiadas, no vayamos a exagerar.

Pero de ésta no habrá más temporadas. Es comprensible. El fallecimiento en la vida real de Ascen López debió romper muchos proyectos. Pero además en la serie mataban, ficticiamente, a Carlos Areces, que tiene otros proyectos entre manos. Desde luego en una comedia se puede jugar con casi todo, pero entre esos actores perdidos y las tramas a medias, seguramente era difícil de continuar.

Y es una pena porque se iba aclarando lo de la potuga.

-¿Tú sabes modular? ¿Has visto Bob Esponja?

El motín

Cole es guardaespaldas de un empresario tailandés. Les tienden una trampa, el ricachón es asesinado y los espectadores tenemos que aceptar que Cole sea el sospechoso. No tiene ninguna lógica pero es necesario para que Jason Statham se ponga de nuevo en modo justiciero. Como esto ocurre a los 15 minutos, nos da igual la incoherencia y tiramos para adelante.

Pero después se suceden las inconsistencias. Por una intuición Cole va a un barco cuando lo lógico habría sido ir a proteger al hijo. No tiene ningún sentido -ninguno- que los malos envíen al barco a Angie, señora que no debía estar allí, que sólo les complicará la vida y sin cuya presencia habrían estado mejor. ¿Por qué se introducen ellos mismos un topo en la misión? Pues supongo que para que haya una mujer acompañando a Statham.

Una vez más estamos en una de esas pelis de Statham en la que trabaja para una familia, le quieren tanto que lo consideran uno más, hay un crimen en esa familia (asesinato o secuestro preferiblemente) y él tiene que empezar a romper huesos. Y esto último es lo único que importa.

Pero ahí está la cuestión. Es muy básica, flojita incluso para los estándares habituales del género. Aunque está bien eso de que te claven un puñal en el hombro. Te lo dejas ahí puesto para cuando te haga falta.

-Justo lo que le faltaba a este desastre.

Al margen (703)

1. Temporada 6 de Slow Horses. 16 de septiembre. Mira tu agenda y retrasa negocios, cenas, boda…

2. El otro día fue la D23, ese evento en el que Disney da a conocer muchos de los proyectos que jamás realizará.

3. Spider-man: Brand New Day ya ha superado los 2 mil millones de dólares.

4. Warner también tranquilizó a los fans de Wonka. Me dicen que los hay. La productora asegura que la película Wonka 2 no se retrasará. Simplemente no saben cuándo se hará.

5. A Kate Beckinsale siempre le ha gustado la acción y repartir guantazos. Underworld nos dejó cosas mejores y peores pero ella demostró que estaba a la altura. Parece que en su próxima película, Drifter, tendrá que seguir ejercitándose.

6. Se supone que Glimpses of the Moon comenzará a rodarla un tal Francis Ford Coppola con subvenciones del gobierno italiano a finales de este mes. Dice que es un musical extraño inspirado en la novela de Edith Warton.

Macao

-Cuando salgas de Macao no olvides llevar al canario contigo.

Una de esas películas exóticas que tanto le gustaba a Hollywood tras la II Guerra Mundial. La trama podría haberse localizado en Baja California o en Murcia, pero si transformabas los estudios de la RKO en Macao, Shanghái o la sabana africana parecía más lujosa.

La peli está bien, sin más. Lo extraño es que no sea un desastre. La dirigió Josef von Sternberg pero cuando la vio Howard Hughes no le gustó y le dijo al director que la rehiciera. A Sternberg no le dio la gana y Nicholas Ray se encargó de retocarla. Y como Hughes era como era, luego siguieron retocando Robert Stevenson y Mel Ferrer.

El resultado es ciertamente irregular con momentos muy majos.

Tres americanos llegan a Macao. Una mujer con su pasado (Jane Russell), un buscavidas (Robert Mitchum) y un hombre con unos negocios más ilegales que otros (William Bendix). Halloran, el mafioso local, sabe que también debería haber llegado un poli para sustituir al que él mató. Halloran sospecha que es Robert Mitchum de incógnito.

La falsa identidad da mucho suspense a la película. El espectador tarda en saber si Mitchum es policía encubierto o no. Además hay secuencias de persecución muy bien rodadas desde un punto de vista estético: tejados, redes, barcas…

Con tantas manos encima es lógico que haya problemas de ritmo y que el personaje de Gloria Grahame quede desdibujado.

Pero el conjunto es entretenido. Tenía mucho potencial.

Tren fantasma

Veo este cortometraje tratando de entender porque Lee Cronin ha sido elevado al estatus de “autor”.

La realidad es que, si nos fijamos en votaciones populares, la mayor calificación de una película o cortometraje no supera el 5,9. Si reparamos en la crítica especializada, hay división de opiniones pero no excesivamente elogiosas. Raramente entusiastas. Las revistas que dependen directamente de la publicidad del cine le suelen tratar algo mejor, los periódicos de tirada nacional algo peor. Sí: me lo he currado un poco porque me desconcierta la trayectoria de este hombre.

En Tren fantasma tenemos a dos hermanos, ya cuarentones, que acuden, año tras año, a la atracción de feria del tren fantasma en la que despareció su amigo cuando eran niños. Este año va a pasar algo.

Aquí se condensan en 15 minutos las virtudes y defectos que se reflejan en todo el cine de Cronin. Virtudes: una idea bastante buena como punto de partida y una imaginería perturbadora con puntos originales. Defectos: débil ejecución, montaje con frecuencia inconsistente, fiar todo al giro sorpresa que no lo es tanto y un final al que no sabe dar cierre.

En esta ocasión Cronin utiliza un recurso para el final que no engaña a ningún crítico pero sí a muchos espectadores (aunque cada vez menos): un flashback sentimental.

Lo mejor de sus pelis y cortos, con mucha diferencia, es la fotografía: el mérito debería ser para Tom Comerford y Dave Garbett.

Lee Cronin es otro más entre los cientos -¿miles?- de directores del montón de películas de terror que estrenan semanalmente en los cines.

Está claro que aquí detrás hay un buen publicista. Alguien que supo convertir el primer desastroso largometraje de Cronin (Bosque maldito) en una oportunidad para crear una campaña de “autor incomprendido”. Ha sido suficiente para lograr un grupo amplio de fans y, por tanto, para poder seguir haciendo películas.

No es un autor pésimo pero mi consejo personal -que no me lo has pedido, ya lo sé- es que no tienes por qué ir corriendo a la próxima peli del director irlandés. Quizá incluso te la puedas ahorrar.

The Isolate Thief

-Quizá un día tú también te conviertas en una gran forajida.

-Gracias, señor.

Ada queda sola en el puesto de avanzada tras la muerte de su padre. Decide abandonar el puesto e ir a la civilización. Pero antes se va a topar con unas bolsas de oro, unos hombres desagradables y otra chica en apuros.

Estamos en 1865. Es decir: lo que los historiadores consideran el inicio de lo más salvaje del salvaje Oeste. Soldados desmovilizados con armas, fiebre del oro, guerras con los nativos… El caos sin ley.

Es un Western que crece a fuego lento. Una cabaña, un entorno de bosques, una decena de intérpretes y la razonable idea de sacar el mayor provecho salvándose quien pueda.

Está todo bastante bien. Me gusta la psicología de los personajes, sobre todo la de la protagonista, con bastantes matices. Es buena gente pero tiene su lado oscuro, no es ingenua, busca lo práctico… Su padre fue soldado y agente de Pinkerton. Ada sabe lo que es el dolor y la penuria. Así que no va a desprenderse del oro fácilmente.

Es una historia bastante cruda. Incluso con momentos muy bestias. Explícita en todo momento de su descarnada violencia. La fotografía es fría. El montaje, por lo general, es correcto, pero le cuestionaría esos extraños flashback que a veces aportan poco o nada.

No es la típica del Oeste. Tiene un tono hiperviolento, con la tensión creciendo a fuego lento y un tiroteo final sin fantasmadas, cruento. Tú verás si es tu estilo. Me ha parecido buena película, sólida, sin ser una maravilla.

Rage of Stars (La señal del apocalipsis)

-La pregunta es: ¿Cuánto falta para que la oscuridad nos trague a todos y nos lleve a las sombras?

Me detuve un buen rato a pensar con qué puedo comparar esta película. Para que sepas, más o menos, a qué atenerte. Pero es que nunca he visto una película parecida a ésta.

Por si sirve de algo aúna el estilo del Nuevo Hollywood de los años 60 (jóvenes, macarras, antihéroes, música alternativa o rock), el cine de koljós soviético (realista con su carga simbólica/social) y el cine de autor polaco (profundidad moral, reflexión histórica).

Sí, ya sé. La película es un tanto pedante en sus diálogos o, más bien, en los monólogos alucinatorios de Jemma. Pero eso se une con la jerga sucia y realista militar y con los dramas de la vida cotidiana. El efecto es desconcertante y crea una atmósfera de extrañeza que es lo que busca la película.

No hay aquí nada de comercial. Es una película de autor, cargada de simbolismo, difícil de interpretar.

Se supone que estamos en un futuro cercano con una policía internacional. Jemma forma parte de un grupo que busca dilucidar las desapariciones de niños. Jemma también tiene alucinaciones y sueños de un mundo caótico. Esos flashes están poniendo en riesgo al resto del equipo.

El montaje no es lineal, juega con la repetición consecutiva de una escena, está el símbolo del tótem/espantapájaros siniestro, muertes de animales, algo de numerología, operaciones militares infructuosas, entrenamientos pormenorizados, conversaciones profundas pero abruptas… Imprevisible.

Una rareza. Insisto en que no es nada comercial, más bien para cinéfilos. O abres la mente a una experiencia distinta a cualquier cosa que hayas visto o no te pongas con ella porque no recibirás algo que estás esperando.

Pero capta tu atención porque no sabes qué pasa o adónde va.

Al director, Lukasz Rog, intentaré seguirle. Tiene algo que contar.

The Undeclared War. Temporada 2

¿Puedes ver esta temporada sin ver la primera? Creo que sí. Pero es muy conveniente ver la anterior. Y si la tienes reciente mejor. La primera temporada me dejó sentimientos encontrados. Puedes ver lo que comenté de ella. Ciertamente el primer obstáculo es que han pasado 4 años entre una y otra.

Ahora bien. En cuanto logré situarme me pareció que el nivel subía. Están los informáticos del GCHQ a los que ya conocemos. Además de estos espías cibernéticos está el tipo de seguridad interna, algo a destacar porque tienen un topo. Y además se incorporan informáticos militares que son algo más agresivos, le tienen ganas a la FSB de Putin y llevan su propia operación en paralelo, cosa que genera caos.

También tenemos a Barbara, la mujer de Simon Pegg, ocupada en hurgar cositas de China. Y casi de inmediato veremos estallar la tensión entre Saara (que aquí pierde parte del protagonismo de la primera temporada) y la teniente coronel Cavendish de aire modosito pero todo un bicho. Y más líos y EEUU, Rusia, China y los políticos que tienen que aparentar…

Pensé que Barbara sería un error, pero en el capítulo 3 adquiere protagonismo con un flashback muy interesante a 2014 en China, una trama de espías muy de estilo tradicional.

Poliédrica, compleja. No es para perezosos. Pero me ha gustado cómo manejan el caos. Hay ritmo, tensión. Mejor que la primera, pero esta segunda temporada tiene también sus conveniencias de guion que hacen que deje de ser algo serio para ser más comercial. Al guion le gustan los giros sorpresa. Mira: ahí te dejo la tarjeta para que me la quites y me des el cambiazo.

Simon Pegg vuelve a demostrar que un actor de comedia no tiene problema alguno con el drama. Pero los buenos actores de drama no son, muchas veces, capaces de hacer comedia. Gran trabajo.

Entretenida para los que ponen atención.

El final de Oak Street

En 1993 se estrenó Parque Jurásico y todos supimos que se avecinaban grandes aventuras de una nueva saga. No podíamos imaginar que no habría más películas. Que nos contarían 6 veces más la misma peli cambiando el título, siempre encerrados en una isla y un laboratorio. La misma trama mecánica. Y como era material de reciclaje todas fueron peor.

Así que a alguien se le ocurrió darnos lo que estábamos esperando desde hace 33 años: dinosaurios zampándose gente en tu calle. Esa idea tan simple, esa idea que nos prometieron 6 veces sin cumplirla, al fin se hace realidad con El final de Oak Street.

Y además en los años 80. Yo no puedo pedir más. No sé cuánta mano ha tenido J.J. Abrams en la producción pero se nota su presencia. Y mucho. Estilo, planificación, temas. Tan ochentero. Volvemos al verano, las bicis… Y a esos dramas de las crisis familiares, esos traumas adolescentes. Muy de Spielberg, con retoques más modernos, lógicamente.

La esperaba más familiar. Sólo aventura y diversión. Pero tiene momentos dramáticos bastante fuertes, tratados con visceralidad. Tanto en las disputas humanas como en los ñascos de los animales. Así que aunque haya mucho adolescente suelto no es para niños.

La consecuencia directa es que no sabes qué va a pasar a continuación. No apuestes porque la trama no se desarrollará del modo que esperas. Otra cosa que me gustó es que la gente casi siempre toma decisiones lógicas. E incluso cuando no las toman son achacables al estado emocional en que se encuentran. Ejemplo: Brian, escabulléndose por la ventana, no dice nada a sus padres porque están en plena discusión.

Lo mejor: la anguila. O lo que sea eso.

Me lo he pasado muy bien. Necesitaba esto. Que alguien arrancase los dinosaurios de la máquina de hacer churros e inventara algo nuevo. Y con sangre.

Al margen (702)

1. Hoy estrenan Fuze o Cuenta atrás, una de esas películas ya amortizadas en lo visual pero a la que la distribuidora rascará unos euros más de subvenciones de tus impuestos.

2. HBO ha comenzado a producir la temporada 2 de Harry Potter antes de terminar la 1. En cierto modo es lógico porque los niños crecen incluso cuando no los miras. Pero para Disney eso es casi una garantía de desastre. ¿Le funcionará a HBO?

3. Michael Haneke cumplió 84 años y ha decidido retirarse del cine. No soy un declarado admirador de toda su filmografía pero sí hay películas suyas que me fascinan. Caché (Escondido) es mi favorita.

4. Otro que se retirará después de su próxima peli, After, será Lars von Trier. Su enfermedad de párkinson es un impedimento más contundente que la edad.

5. Nuestro vecino Spidey lleva 1.700 millones recaudados en un par de semanas. A ver si es de verdad un buen vecino y nos cae algo. ¿Tú qué piensas?

6. Nimród Antal dirige Bluefly una peli con Russell Crowe y Priyanka Chopra luchando contra una amenaza alienígena. Tiene una pinta aventurera que me gusta bastante. A ver qué tal.

An Inspector Calls

-¿Cierta clase de mujeres? ¿Aquí? ¿En Bromley?

80 minutos que parecen diseñados con un metrónomo. Basta con ver la secuencia de arranque, la cena, para adivinar que estás ante un guion de precisión matemática. Presentación de personajes, diálogos, estructura… Fluidez. Imposible distraerse. Te sumerge en ese entorno con gracilidad y habiendo planteado lo sustancial. Una familia casi aristocrática de 1912 a punto de casar la hija con un aristócrata completo. Muy majos todos.

Y entonces llega un inspector hablando de la muerte de una tal Eva Smith.

Es la historia de una enorme coincidencia… o de una familia prepotente con tentáculos muy largos. Y frente a ellos -o debajo de ellos- Eva Smith. O Daisy Renton. U otro nombre.

Ya he comentado en otras ocasiones que sí se escriben buenos guiones en la actualidad. Pero no así. No como estos. No con ese ir a lo esencial, esa economía de medios, esa armazón tan férrea. Y eso que tiene su parte de melodrama estilo La pequeña cerillera. Pero no es obstáculo para el ritmo impecable.

Aquí no importa quién es el culpable de la muerte. Se trata de desmontar la alambicada moral de una clase social, de exhibir las psicologías del poder, de hurgar en esos caracteres que se consideran impunes por su profesión.

La peli trata de la conciencia. De esa culpa rechazada que vuelve como un moscón insobornable.

El final es una maravilla. Tras un instante de conmiseración y buenismo, de sentimentalismo barato, regresamos al cinismo:

-Supongo que ahora todos somos buena gente.

Qué prodigio ese vuelco narrativo. Perdón: esos dos vuelcos narrativos.

Last Hit

Ya sabes: lo del último atraco y luego lo dejo.

Sigo con pelis de serie B que alcanzan una puntuación relativamente decente.

Vincent y Maya están hartos del mundo criminal y quieren retirarse, especialmente después de la mala información y el desastre del último “trabajo”.

Uno de los grandes méritos de esta discreta película es que te crees a los actores como verdaderos criminales. Vestuario, maquillaje, actitudes… Quiero decir que pueden decirte que Brad Pitt es un ladrón, pero es Brad Pitt y por muy bien que interprete al ladrón sigue siendo Brad Pitt.

Pero aquí, con actores poco conocidos, con sus planes cutres e imperfectos, te los crees de principio a fin. Y no necesitan un gran despliegue para caracterizarlos mínimamente. Esa atmósfera sin estilizar, puro plano realista sin retocar, aporta un plus a la credibilidad del mundo criminal. Organizar un atraco con gente que quiere matarse no es la mejor de las ideas, pero te lo sigues creyendo porque es lo que hay: o ellos o nadie.

Como en cualquier peli de bajo presupuesto hay cosas muy mal realizadas, pero tienen buenas ideas. Un ejemplo: esa pelea en paralelo de Maya y Lana. Separadas en el espacio pero ligadas por el montaje y, finalmente, por una llamada de teléfono. Se puede hacer mucho mejor pero el planteamiento es bueno.

Es amoral en el sentido de que no hacen juicios, tampoco concesiones a lo blandengue, expone sin eufemismos la delincuencia. No es ninguna maravilla pero conoce lo que puede y lo que no puede hacer. Es honrada en su planteamiento.

Marsupilami

Las aventuras de marsupilami en los cómics se desarrollaban de dos maneras: aventuras con su familia en Sudamérica o aventuras con Spirou y Fantasio en Francia. ¿Qué han escogido? Pues ninguna porque se trata de destrozar el tebeo.

Viene a ser como una variante atroz de Paddington con chistes para adultos: el amante de la mujer en el armario, el coche-retrete, el seto con forma de higa… No revelo nada: esto es antes del minuto 5.

¿Sabes qué es lo peor? Que había historias buenísimas en los cómics. Cualquiera de ellas mejor que este guion desastroso. En el fondo el marsupilami apenas es una pieza de decoración. La mayor parte del metraje transcurre en un crucero, los padres en trámites de divorcio, el niño triste y diversas situaciones caóticas algunas de las cuales son de dudoso gusto para el supuesto público infantil al que va dirigido. Porque sí: es muy infantiloide. Muchísimo. Pero con chistes que, en fin…

Ya basta, por favor, de destrozar cómics, literatura y películas clásicas. Quiero decir: si no eres capaz de inventar algo nuevo, ¿qué te hace pensar que puedes mejorar lo antiguo? Si Spirou y Fantasio levantaran la cabeza…

Los franceses, como Hollywood, también están empeñados en desguazar cómics clásicos. No hace mucho lo hicieron con Natacha, ahora le toca al pobre marsupilami.

Prodigy

Jimmy Fonda es psicólogo. Le piden que vea a un sujeto. La paciente es una niña de 9 años con camisa de fuerza, atada a una silla, altamente vigiada. En fin: como si fuese Hannibal Lecter. Fonda no tarda en descubrir la enorme inteligencia de la niña. Ahora habrá qué ver qué más hay en ella.

Un duelo entre el psicólogo y la niña superdotada. La idea es que un grupo de expertos, dadas las cualidades de Ellie, ha decidido que aplicarle la eutanasia -o pena de muerte, lo que gustes más- es lo mejor para ella y la sociedad.

Fonda es la última oportunidad. El psicólogo tratará de acceder al alma de la niña, intentará probar que no sólo hay una egocéntrica, manipuladora y psicópata.

Otra de esas películas con muy pocos medios que se sustenta básicamente en el guion. También hay que tener en cuenta unas interpretaciones adecuadas, particularmente la de la niña. No es fácil que una cría de 9 años pronuncie con convicción esos discursos analíticos, psicológicos, controladores.

Luego está esa fotografía característica de las celdas, los fríos organismos del gobierno, contrapunteada por la luminosidad de las escenas de apertura y cierre.

Dura 80 minutos, un recorrido justo para mantener el ritmo, el suspense y soltar un par de sorpresas.

Me gustan esas películas que están por encima de sus bajos presupuestos.

Colony

Zombis rapiditos con pensamiento colectivo en un rascacielos.

Yeon Sang-ho regresa al cine de zombis con el que se hizo internacionalmente famoso gracias a su Train to Busan. Imagino que no volverá a alcanzar el nivel que logró con ella, pero aún así sigue teniendo cosas que decir.

Estamos en un rascacielos. Alberga un centro de convenciones, un centro comercial… Se celebra un congreso sobre bioingeniería que gira sobre la idea del pensamiento colectivo. Un científico loco decide liarla parda.

Y ya está. A los 10 minutos se desata el desmadre. Nos quedaremos al lado de unos pocos supervivientes atrincherados en una tienda del centro comercial. Luego, claro, irán muriendo por diversos motivos.

Pienso que su mayor debilidad está en que en Train to Busan ya nos contó una enorme cantidad de conflictos éticos que se debían resolver en un lapso de tiempo mínimo: el que va desde que ves el zombi hasta que se te echa encima. Colony también tiene sus conflictos dramáticos pero como entra tan rápido en la acción, los personajes no están tan definidos.

En cualquier caso me ha parecido muy entretenida. No terrorífica. Sí: hay babas y mocos y fluidos y amontonamientos perturbadores de cuerpos. Pero creo que gana la dinámica, el festival de la huida, la persecución, la planificación tan nítida.

Supongo que a muchos no les gustará el final pero pienso que no se le puede reprochar nada: pusieron las reglas al principio y se atuvieron a ellas.

En fin, una escabechina que no da respiro, que se mueve a un ritmo eléctrico y que está bien fotografiada (no como esos productos americanos oscuros en los que puede que no esté pasando nada pero el espectador imagina que sí). Satisfactoria. No será mejor que Train to Busan pero sí mejor que Last of Us: además de drama, hay zombis. Porque hay gente que cree ver zombis en donde no los hay.

Sugar. Temporada 2

-No es propio del Robert Mitchum que conozco.

La veo aquí y pienso que Sasha Calle (Val) debió continuar como Supergirl. Es mucho más fácil creérsela como tipa dura y macarra antes que a Millie Alcock. Y tenía un punto de oscuridad más interesante. Pero vamos con Sugar, que es lo que toca.

Un boxeador contrata a Sugar para que encuentre a su hermano. Preferiblemente vivo.

¿Cómo no va a gustarme esta serie? Es tan clásica… Ambientada, rodada, asentada en la actualidad. Pero de un clasicismo increíble. Están todas esas pelis recordadas, los crímenes de novela negra, las mujeres fatales, los combates de boxeo, los coches, trajes, palmeras. Es California, es Sam Spade y todo el universo de Dashiell Hammett, es Marlowe de Raymond Chandler, es Sugar (o como quiera que se llame) de un planeta desconocido.

Me encanta ese momento en que Sugar comienza a conocer a Charlotte. Ella es una filántropa, interesada en mejorar el mundo, influyente en altas esferas… Y la película que se le viene a la cabeza a Sugar es Gilda. Sugar es listo pero su subconsciente más.

Alguien tiene que explicarme de dónde saca el dinero Sugar. Vive en un hotel de lujo, se compra una casa en las colinas de Hollywood para tenerla vacía, da unas propinas imponentes sin dudarlo, descapotable, trajes… Y no es que en los casos le paguen muy bien. Así que… ¿de dónde?

Es muy triste ese “archivo” de contenedores temporales con la ceniza de los muertos no reclamados por nadie.

Sólo una objeción: la abrupta resolución del caso policiaco en unos minutillos rápidos del episodio 8. También me habría gustado que Val tuviera más protagonismo.

Hay detalles muy curiosos, como ése en que vemos una silla de producción de Puro vicio, la peli de detectives de Paul Thomas Anderson ambientada en los 70. Así de friki es Sugar.

¿Me permites que me ponga friki yo también? Harry Bosch debe tener su casa al lado de la de Sugar, ¿verdad? ¿Y si un día se encuentran?

Al margen (701)

1. No pude con Lucky. Hay acción, persecuciones, carreras, movimiento incesante. Y la historia no avanza ni un milímetro, la trama es la del minuto uno, la tensión se esfumó porque el mecanismo será el mismo hasta el final de temporada. Y eso si hay cierre, que igual cortan y te dejan con más de lo mismo para la segunda temporada. Decidí que no me toman el pelo más allá del capítulo 3. Los personajes saben todo lo que ha visto el espectador aunque ellos no estuvieran ahí. Por cierto: Anya Taylor-Joy habría sido la diosa Atenea elegida por Homero.

2. Spider-man: Brand New Day. 932 millones en su primer fin de semana. Qué bestia.

3. El director indio Nikhil Nagesh Bhat se hizo célebre con la película Kill. Ahora Hollywood le ofrece un generoso presupuesto para dirigir Deadlocked con Jamie Foxx.

4. ¿Estaba en marcha Barbie 2? No. Y si no inicia la preproducción antes de diciembre, Warner perderá los derechos. Pero parece que ni Margot Robbie ni Ryan Gosling tiene mucha prisa por volver a esos papeles.

5. Emily Wilson, traductora de La Odisea al inglés, hizo una crítica devastadora de la película de Christopher Nolan. Ahora Joyce Carol Oates ha criticado a Emily Wilson por su conservadurismo y no aceptar una visión moderna.

6. Se suponía que el 1 de octubre Paramount sería dueña de Warner. Eso no va a ocurrir. Paramount tendrá que pagar 1200 millones a Warner por la demora. Juicio sobre la fusión: 19 de marzo de 2027.

7. George R.R. Martin dice que ha estado deprimido durante el último año y medio. Creo que basta con leer un poco sus libros para ver que este hombre ha estado deprimido toda la vida.