El sueño de Casandra

En Un final made in Hollywood, Woody Allen conseguía una ceguera somática gracias a su hipocondría. Pese a estar ciego, dirigía una película y lograba mantener la farsa gracias a la ayuda de su ex.

Más adelante recuperaba la vista y contemplaba el resultado. Aterrado por lo que veía pedía que le trajeran cianuro. No era nada comercial, no triunfaba en Estados Unidos, gustaba en Francia, la fotografía era distinta a la de otras ocasiones...

El sueño de Casandra no se parece a ninguna otra película de Woody Allen. No hay ni un solo chiste, la fotografía es apagada y el drama no se convierte en parodia. Es drama puro y duro, es Crimen y castigo. A veces me recordaba a Chabrol. También recordaba a Woody Allen, claro, pero sin llegar a ser él. Por ejemplo en la escena donde los dos hermanos planean el crimen. Ése barajar opciones, en otra película, el director lo habría llevado hasta el absurdo y la comedia. Aquí es pura angustia. O la escena en que se cuelan en la casa decididos a cometer el crimen.

Es la película más seria y profunda de Woody Allen. Interesantísima.

Sin embargo, ahora, podemos afirmar que la película que Woody Allen filmaba en Un final made in Hollywood era El sueño de Casandra.

De por aquí no es

Es la mejor frase de Invasión. Cuando la oí, casi nada más empezar la película pensé que habría diálogos ingeniosos. Pero ahí se acabó el humor.

Un transbordador espacial se estrella. La NASA descubre unas resistentes esporas que han atravesado el vacío estelar. Uno de los científicos, al analizar ese tipo de vida alienígena, dice:

-Lo que está claro es que de por aquí no es.

He visto las cuatro películas sobre los ultracuerpos en distintos momentos de mi vida. Quizá con alguna no soy justo porque no las recuerdo bien. Pese a lo que diga la crítica, ésta es la que más me ha gustado sin echar las campanas al vuelo.

La invasión de los ladrones de cuerpos tiene la ventaja de ser la primera, original y una crítica al comunismo que a muchos molesta y a mí me encanta. La invasión de los ultracuerpos tiene, a mi juicio, dos potentes defectos: esa horrible estética setentera que hace a las películas de la época casi irredimibles y el desbordante pesimismo de Philip Kaufman. Reconozco que el perro con cara de tío se me quedó grabado durante mucho tiempo. Secuestradores de cuerpos no tiene ningún interés.

En Invasión tiene su mérito lo de Nicole Kidman tratando de pasar desapercibida. Nos creemos que toda esa gente de alrededor tiene que estar realmente abducida porque, de otro modo, la rodearían para pedirle un autógrafo.

Ya en serio: lo novedoso de esta Invasión es que tira más por el lado del thriller que del terror y, en ese sentido, es previsible y no tiene sorpresa final. Lo que me atrae es su idea de fondo, esa idea tan de moda: tenemos que escoger entre libertad y seguridad. Olivier Hirschbiegel se decanta por lo correcto: la libertad. Por un motivo muy sencillo: nos hace humanos.

Por suerte podemos decir que, el director, de por aquí no es.

El destino, sin duda

Me envían este texto de apoyo para comunicar que Anne Hathaway ha sido nominada a los British Independent Film Awards:

"Parece que ANNE HATHAWAY estaba predestinada a interpretar a un personaje relacionado con la literatura inglesa, como ocurre en LA JOVEN JANE AUSTEN, donde encarna a la autora de "Orgullo y prejuicio", la escritora más emblemática de la literatura británica. La coincidencia es que la esposa del reconocido William Shakespeare, se llamaba Anne Hathaway en la vida real."

Sí señor. Eso son coincidencias.

Aki Kaurismäki

Como E está ya en Finlandia es oportuno introducir una entrada sobre el mayor director de cine finés conocido. Bueno, quizá no sea el mayor pero es el que yo conozco. En realidad conozco a otro, su hermano, Mika Kaurismäki, que parece que también anda por ahí rodando. Rodando películas, quiero decir.

En cualquier caso Aki Kaurismäki es el más conocido, sobre todo por una película que hizo en el año 2002 titulada Un hombre sin pasado. Sorprendentemente, ganó el premio a la mejor película europea. Al menos fue una sorpresa para mí que, sin conocer el cine finés, le habría dado, como mucho, el premio a la mejor película de Finlandia. Y, si me apuras, de haberlo declarado desierto, no habría pasado nada.

En cualquier caso, se mire como se mire, el cine de Kaurismäki es realmente... distinto.

Me cuesta bastante tragar el cine romántico porque, ese instinto predador con que el público aguarda a que el chico y la chica lleguen al beso final, me ha parecido siempre que tiene algo de voyerismo acomplejado. Así que, lejos de mí el promocionar la pasión en las películas. Bien, pues con todo y con eso, cada vez que recuerdo Un hombre sin pasado me lleno de pasmo al rememorar la escena romántica. Hay que ser muy surrealista, o estar muy colgado, para rodar un beso de frialdad semejante.

Y en este caso pensé que, ya puestos, esta vez sí podían haber puesto algo de entusiasmo.

Pero, en fin, no soy nadie para juzgar a un tío de Finlandia. Cualquiera sabe si son auténticamente humanos o alienígenas llegados de un planeta frío.

Norma Desmond

Norma Desmond es todo un personaje en la iconografía de la Historia del Cine. Es el símbolo del star system, es la diva, la mejor, la decadencia, la loca.

Aquí va una primera entrada acerca de la fascinación de lo malo que E proponía. En El crepúsculo de los dioses, William Holden acababa muerto en la piscina precisamente por eso: el guión de Norma Desmond era tan malo, tan sentimental e infantil que quedó subyugado por él. Le parecía interesante examinar algo tan malo porque quería averiguar qué había en la mente que concibió el producto.

Y, claro, una vez que empezó, ya no pudo parar. Se queda en la casa y ocurre lo que todos sabemos.

Aunque sea un tópico hay que decirlo: la escena final, cuando Gloria Swanson, Norma Desmond, baja las escaleras de la casa, es uno de mejores planos que se haya filmado jamás.

Por cierto. Esta vez no me parece mal que Sunset Blvd. haya sido traducido como El crepúsculo de los dioses. Los dos me parecen títulos muy sugerentes.

Por encima de sus circunstancias

Siempre me llamó la atención que de las novelas de Jane Austen salieran películas románticas. Un poco de culpa es de ella porque acababa sus libros con un final feliz. Pero lo cierto es que, en tiempos de Jane Austen, la palabra romanticismo apenas existía y, por supuesto, faltaban unas cuantas décadas para que apareciese el Movimiento Romántico. Jane Austen era, ante todo, una cronista admirablemente perspicaz de su época. Creo que Orgullo y prejuicio, Sentido y sensibilidad y Emma son superiores a La joven Jane Austen. Pero La joven Jane Austen es una innata provocación para que conozcamos mejor al personaje. Menos romántica, con muy poco humor, discursiva, intelectual... y con un final que no podemos calificar de feliz. No es para ir a echar unas risas e imagino que las palomitas no serán digeridas con la debida fluidez, pero creo que interesará a cualquiera que sienta admiración por la señorita Austen.

La huella (2007)

Ya le dimos una nueva oportunidad a Kenneth Brannagh. Es lo que tiene el hacer un remake de un clásico: el riesgo es altísimo. A Kenneth Brannagh se le ha olvidado precisamente lo más importante: que La huella (1972) es un clásico. Lo que él ha hecho es algo vanguardista y políticamente correcto. Postmoderno. Ha creído que de ese modo le otorgaría un sentido propio a la copia. No es así. La película de 1972 era un extraordinario pasatiempo de angustia que duraba 136 minutos, diseñado para que el espectador contuviera la respiración hasta el límite. La versión actual es un mero tensar la cuerda para ver hasta donde aguanta. Son 85 minutos de artificio que sólo logra atrapar en contadas ocasiones. No voy a negar que la casa elegida es una pasada, que la fotografía está requetebien con tantos colorines y que hay planos como el de la foto que son originales. Pero no aporta nada.

Cuentos de Terramar

Esta película va a dar que hablar. Por lo menos yo voy a hablar de ella. De momento no sé mucho porque casi toda la información que encuentro está escrita en japonés. Hay cosas en inglés pero sólo encuentro una web nipona.

La película es del hijo de Hayao Miyazaki, Goro Miyazaki, y adapta, no sé en qué medida, la obra literaria de Ursula K. Leguin. De momento, uso este fotograma para que se vea lo que indicaba ayer respecto a Nocturna.

Ya se ve que el modo de currarse el dibujo y la iluminación de una ciudad son un poquito distintos.

Nocturna

Otro de los problemas del cine español, dicen, es que no interesa al público. Nocturna es una película atípica para poner como ejemplo ya que es una película de animación. Pero indudablemente uno no puede dejar de preguntarse: ¿a quién va dirigida?

Supongamos que va dirigida a niños. El colorido brilla por su ausencia, es oscura, gótica, fría, gris. Y no hay absolutamente nada de humor.

¿Para adultos? Hay una estética con afanes de novedad pero el guión es tan endeble y tan poco ambicioso que te dan ganas de alzar una mano para que el acomodador te acerque una almohada.

Nocturna son las abocetadas migajas que se le cayeron a Hayao Miyazaki de la mesa cuando hizo El viaje de Chihiro. Hay muchísimo de la película japonesa en la española. Esas criaturas extrañas (luminosos, nebulosos, despeinadoras, Mr. Pee) son lo mejor de la película porque están inspirados en Miyazaki. Pero falta todo lo demás. Falta sobre todo, trabajo, cuidado por los detalles. Que el protagonista tenga una nariz que es un simple garabato no es una opción estética, es dejadez.

Y, oye, lo peor de todo es que sin ser alegre ni triste, sin ser emocionante ni repelente, sales del cine con una cierta sensación de incomodidad porque quizá hasta habrías estado mejor viendo lo último de los Farrelly.

Bueno, no, me he pasado; es para que se me entienda.

Los seis signos de la luz

Cabía temer que tras El Señor de los anillos y Harry Potter vinieran múltiples relatos épico-fantásticos: el mundo de C. S. Lewis, el de Paolini, ahora el de Susan Cooper, en Navidades nos llegará el de Philip Pullman y, supongo que en breve, el de Marianne Curley. Obviamente, la diferencia es abismal. Es la diferencia entre la pasión, los medios y el empeño de años de Peter Jackson por un lado y el "vamos a hacer caja con una de objeto numinoso" por otro.

La peli no está mal para chavales. Al menos, las cinco doceañeras que tenía delante, se lo pasaron en grande decidiendo cuál de los hermanos Stanton les gustaba más. Tiene cierta dosis de acción, de magia y romanticismo. También tiene una cámara mareante y tópicos encadenados.

Lo peor fueron unos minutos en los que creí que la búsqueda de cada signo se iba a contar en sucesivas películas. Menudo susto me llevé.

Morir todavía

Hubo un tiempo en que la gente hablaba de la última película de Kenneth Brannagh y Emma Thompson con el mismo enfervorizado furor cinéfilo con que se hablaba de la última de Woody Allen. Tenían una amplia afición y admiradores fijos por todas partes. Sus películas eran acontecimientos y acudías al cine para ver una de Shakespeare con palomitas. Este fue uno de los grandes logros de la pareja: el modo tan sencillo con que accedían y exponían a Shakespeare. Shakespeare se hizo palomitero.

Hasta que dejaron de ser pareja. Fue una pena. Para ellos, para los espectadores y para su vida profesional. Todavía hicieron alguna cosa interesante (Emma Thompson ganó el Oscar al mejor guión por Sentido y Sensibilidad) pero dejaron de ser acontecimientos marcados en calendarios con rotulador rojo.

Morir todavía fue la segunda película que dirigió Kenneth Brannagh. Además de él mismo, Emma Thompson y Andy García, estaba Robin Williams cuando aún no le conocía nadie. No era una película shakesperiana.

En cierto modo es hitchcockiana por el modo de concebir la estructura del relato, el cuidado guión y otros detalles como la presencia del sibilante Pete en el papel de gracioso. El suspense estaba garantizado hasta el final y las secuencias del pasado estaban rodadas con tal maestría que parecía una película de la época. No una película ambientada en. Una película de. A veces creías estar viendo fragmentos desechados de El crepúsculo de los dioses. Creo que Kenneth Brannagh quiso rendir un homenaje a Hitchcock con esta película.

Ahora se estrena lo último de Kenneth Branagh, un remake de La huella. Le concederemos otra oportunidad.

El festín de Babette & Dogville

Me pregunto qué les pasa a los daneses que, de vez en cuando, exhiben individuos tan originales. Además, aparentemente, uno no piensa que sean un pueblo especialmente interesado por la cuestión religiosa. Y, sin embargo, cuando entran a ello, crean unas películas con más profundidad que nadie y con unas perspectivas realmente novedosas.

Carl Theodor Dreyer, Gabriel Axel, Lars von Trier.

Vi de nuevo El festín de Babette. Aunque la tengo en mi estantería de películas favoritas hacía mucho que no visitaba ese sorprendente pueblecito danés. En cuanto empezó la película, con esa voz en off narrando quiénes son los habitantes, me di cuenta de que eso mismo era lo que estaba haciendo Lars von Trier en Dogville. Y no me extrañó porque, en mi opinión, las dos películas tratan de lo mismo: la gracia.

Gabriel Axel tiene una visión más reposada porque los habitantes del pueblecillo aceptan la gracia cuando aceptan sinceramente a Babette. La visión de Lars von Trier es angustiosa porque Dogville utiliza a Grace.

El pueblecillo de Axel es tan minimalista que no me extraña que von Trier lo hiciera más minimalista aún.

Muy interesante entrar a descubrir semejanzas y diferencias entre ambas.

El orfanato

No es muy original pues sigue la estela de El sexto sentido y, sobre todo, de Los Otros. Por otra parte es una película de terror auténtico. Quiero decir que no es de ésas de sangre y torturas que no dan ningún miedo y en las que no haces más que preguntarte por la salud mental del guionista y director.

Está muy bien rodada con sustos morrocotudos y un par de secuencias verdaderamente geniales, en especial la del escondite inglés.

Pese a todo, como las pelis de terror no me dan miedo, sigo pensando que lo mejor de este género es la visión comunitaria, la relación social con los butaqueros contiguos. El cine de terror es para compartir gritos (aaarg), chillidos (iiihhh), tacos (la madre que parió a ese niño), comentarios de novato (¿por qué ve fantasmas?), repuestas esenciales (y yo qué sé), comentarios cinéfilos (está rodada en Llanes) y, sobre todo, esos movimientos que acompañan a la fila entera de butacas cada vez que aparece un cadáver desfigurado.

Estoy convencido de que la gente seguirá yendo al cine simplemente porque es el único sitio donde puede sentirse así. Eso no quita para que otras películas merezcan ser pirateadas. En este caso, El orfanato, merece ser vista en condiciones adecuadas. Escuchando lo que tiene que decir la infinita variedad humana.

Serie B (II)

Cuando severussnape hablaba de la serie B se me venía a la cabeza, una y otra vez, una película a la que no lograba poner título. Me ha costado días dar con ella en los vericuetos de la memoria. Hasta que he recordado que aparecía Rutger Hauer, en un par de planos, como vendedor ambulante, y que era eso lo que usaban como reclamo. Y eso es lo que usado para buscarla en imdb.

He visto en mi vida muchas películas de serie B y, por supuesto, hay de todo. Torpeza, ignorancia, buenas intenciones, falta de presupuesto subsanado como se puede, imaginativos subterfugios, asunción de las debilidades, aprovechamiento de la pobreza de medios para reírse de sí mismos, inesperada lucidez para solventar los problemas...

Pero nunca he visto una película como Yacimiento lunar. Era tan mala que no podía dejar de verla. Era tan mala que mientras la rodaban tenían que estar percibiendo lo mala que era, tenían que ser conscientes de que estaban perpretando un timo, tenían que saber que sus familiares les repudiarían.

No es sólo que el guión sea malo o que haya pocos medios. Es, simplemente, que los efectos especiales parecen hechos por un niño de 5 años y, además, no tienen ningún sentido. Lo del monstruo tentacular de la arena es tan visceralmente estúpido que me estuve desternillando durante varios minutos después de confirmar que no padecía alucinaciones.

Jo. Qué grande es el cine.

Siete mesas (de billar francés)

A veces ocurren milagros.

Vas a ver un drama social español creyendo que la cosa va de lo de siempre y resulta que no sólo es distinto si no que, además, te ríes un montón.

Siete mesas (de billar francés) está conducida con muy buena mano. Blanca Portillo, en mi opinión, hace una interpretación arrolladora. Se ha dado cuenta del potencial que encierra la Charo del guión y ha metido en ella todos sus recursos (que son muchos).

Espero que nos dure esta Gracia (Querejeta).

Equilibrium

Equilibrium se estrenó en Estados Unidos en 2002 y, por una de esas cosas que tienen las distribuidoras, no llegó a presentarse en España.

Me mostraron el tráiler y fragmentos que aparecían en youtube. Con esos dos referentes vine a concluir que se trataba de una copia más o menos decente de Matrix. Más o menos decente porque se ve que de presupuesto no iban mal y, además, los intérpretes principales son Christian Bale y Emily Watson. Pero claro, el responsable de la película era Kurt Wimmer, el mismo de Ultravioleta, y eso, quieras o no, también pesa lo suyo.

Al fin la he visto y me ha parecido lo bastante buena como para recomendarla a cualquier amante de la ciencia-ficción. Advierto que no se va a encontrar grandes novedades, pero sí un adecuado tratamiento de la historia. El principal defecto de la trama es que una humanidad sin sentimientos es una humanidad muerta. Con este presupuesto, era mucho más correcto lo que ocurría en el planeta Miranda de Serenity. Si niegas los sentimientos no tienen sentido los cabreos de Padre ni los deseos de hacer carrera de Brandt y ni siquiera el interés por inyectarte el Prozium.

Bueno, lo de la distribución estadística de disparos también es una estupidez así de grande.

Lo que tiene de interesante la película es su combinación de 1984, Un mundo feliz y Fahrenheit 451. Eso y momentos tan magníficos como el de Sean Bean leyendo a Yeats en una capilla otoñal.

Para que luego se quejen si la gente se descarga películas de internet.

Mataharis

Como he tragado mucho cine, cuando vi que Icíar Bollaín filmaba una película de tres mujeres detectives, adiviné que no era un remake de Los Ángeles de Charlie. Supe que María Vázquez no iba a hacer de Drew Barrymore, que Najwa Nimri no sería Cameron Diaz y que Nuria González no suplantaría a Lucy Liu (sobre todo, esto último). Para que veas lo despierto que puedo ser.

No hay persecuciones ni tiros y, ni siquiera, pistolas. Andan, respectivamente, en la década de los 20, los 30 y los 40. Una busca novio, otra descubre un secreto de su marido, la tercera está aburridita de su matrimonio. Eso cuenta. Y lo difícil que es ser detective si eres mujer.

Hay buenos momentos y otros más flojos. A veces hasta logra engancharte y se puede decir que es disfrutable. Tres mujeres, tres historias. Dos acaban mal y una acaba bien.

Para ser cine español es un logro.

En la ciudad de Guerin

Le pregunté a mi cinéfilo amigo Julio si era verdad que En la ciudad de Sylvia le había parecido una buena película.

-Buena no. Muy buena.

Así que fui a verla.

Muchos creen que cuando Guerin rodó En construcción debería haberla titulado En deconstrucción. Con En la ciudad de Sylvia, el proceso de aniquilación del lenguaje cinematográfico es prácticamente total. El tráiler define perfectamente lo que es la película.

Pues, justo después, me puse a ver un cortometraje que me había enviado Javier por correo convencional (embalaje de MRW y todo). Se titula Punctum y la han rodado una panda de amiguetes de Burgos. El montaje trata de imitar a Memento y el asesino emula la forma de hablar de Morfeo.

También te dejo el tráiler.

Yo voy a tomarme un nolotil antes de que sea demasiado tarde.